И ван Фоми́ч (Трофи́мович) Хруцкий (27 января 1810 — 13 января 1885) — белорусский и российский художник, живописец. Известен своими натюрмортами и групповыми портретами. Иван Хруцкий родился в семье греко-католического священника Фомы Ивановича Хруцкого. Белорус. Среднее художественное образование Иван Хруцкий получил в Полоцком высшем пиарском училище. В 1827 году он приезжает в Санкт-Петербург. Здесь до 1829 года он брал уроки у английского живописца Дж. Доу и одновременно занимался в Императорской Академии художеств в качестве вольноприходящего ученика. Копировал в Эрмитаже. В 1830 году Хруцкий поступил в Академию Художеств. Там он учился у таких мастеров, как А. Г. Варнек, М. Н. Воробьёв, К. П. Брюллов, Ф. А. Бруни. В 1839 году, после смерти отца, Иван Фомич уезжает из Санкт-Петербурга. В 1844 году он приобрёл имение Захарничи в Полоцком уезде (в 20 км от Полоцка), где по собственному проекту построил дом и заложил сад. С 1845 года И. Хруцкий постоянно жил там. Умер Иван Фомич 13 января 1885 года; был похоронен в фамильном склепе в имении Захарничи. Иван Фомич Хруцкий известен как художник работавший в русле русской академической школы. В историю искусства он вошёл своими натюрмортами. Первые датированные этюды художника — «Натюрморт с вазой» и «Натюрморт с птичкой» — относятся к 1832 году. Главное направление творчества Хруцкого в это период — работа над натюрмортом, именуемым в официальных документах как «живопись цветов и фруктов». В это время он создаёт группу похожих по стилю работ — «Плоды и птичка» (1833); «Фрукты» (1834); «Виноград и фрукты», «Натюрморт с яблоками, виноградом и лимоном», которые отличались простотой композиции. Вскоре И. Ф. Хруцкий перешёл от ранних постановок, состоящих лишь из нескольких предметов, к значительным по размерам натюрмортам-картинам со сложной композицией, объединяющей множество разнообразных овощей, плодов и цветов: «Цветы и плоды» (1836, 1839); «Натюрморт со свечой», «Цветы и фрукты», «Плоды, фрукты, битая дичь», (все 1830-х годов). В 1836 году за картину «Цветы и плоды» И. Хруцкий был награждён Академическим Советом большой серебряной медалью. В том же году ему было присвоено звание свободного художника «во внимание к хорошим сведениям в ландшафтной живописи». Пейзажной живописью Иван Хруцкий занимался на протяжении всего последующего творчества («Вид на Елагином острове в Петербурге», 1839; «Вид в имении», 1847). Часто пейзаж служил фоном в портретах и жанровых полуфигурах художника. Так, в наиболее значительной его работе 1830-х годов — «Портрет жены с цветами и фруктами» (1838) — молодая женщина изображена у стола, заставленного корзинами с плодами, графином с водой и букетом в керамической вазе. Фоном для всей сцены служит осенний пейзаж, решённый в багряных тонах. Подобная композиция, представляющая собой некий синтез жанрового портрета, натюрморта и пейзажа, появилась у Хруцкого как дань романтизму. Если работа И. Хруцкого «Портрет жены» стоит ближе к академическому направлению, представленному такими художниками, как К. П. Брюллов и Ф. А. Бруни, то другая картина «Старуха, вяжущая чулок» (1838) сближает его с художниками, не имевшими академического образования, например, с А. Г. Венециановым и особенно В. А. Тропипиным. В 1838 году за эту работу, а также за натюрморт «Цветы и плоды» Иван Хруцкий был награждён малой золотой медалью.24 сентября 1839 года И. Ф. Хруцкий «за отличные труды в портретной, пейзажной и особенно по живописи плодов и овощей» был удостоен звания академика живописи. С этого времени Хруцкий перестает писать эффектные натюрморты. После переезда в Полоцкую губернию Хруцкий не оставляет занятий живописью, однако теперь в его работах преобладает иная ориентация и иные направления. С 1845 по 1855 годы художник выполнил большое количество работ по заказам своего покровителя — литовского митрополита Иосифа Семашко. Он пишет иконы для Александро-Невского собора в Ковно (1847), для церкви Святого Иосифа Обручника в Тринополе(1849), пещерной церкви Трёх Мучеников в Вильно (1850—1851); для архиерейского дома в Вильно — 32 портрета лиц духовного звания (в том числе копии с литографий и живописных оригиналов). Для городской и загородной резиденций митрополита Иван Фомич исполнял виды Вильно и его окрестностей, натюрморты и интерьеры, копии с картин европейских мастеров. В этот период Хруцкий принимает участие в издании так называемого «Виленского альбома» Я. К. Вильчинского — серии литографированных городских видов, выпущенных в Париже. Ещё одна линия творчества художника в это время представлена изображением интерьеров — своеобразным жанром «в комнатах»: «Мастерская художника» (без года), «Митрополит Иосиф Семашко слушает в своем кабинете доклад секретаря» (1854), «В комнате» (1854), «В комнатах усадьбы художника И. Ф. Хруцкого Захарничи» (1855). Также в этот период художник часто пишет портреты, которые, как правило, введены в его «интерьеры». В собственно портретном творчестве Хруцкий проявляет себя мастером несколько суховатым и натуралистичным, учеником скорее западной, чем русской школы. Таковы портреты Иосифа Семашко, Потираловской, неизвестного молодого человека (все 1842). Портрет Миколая Малиновского (1855) — возможно, лучший из созданного им в портретном жанре. Здесь так же, как и в «Автопортрете» (1884), написанном за год до смерти, Хруцкий усиливает выразительность удачным использованием контрастного освещения — приём, к которому художник прибегал довольно часто. Кроме единичных, персональных изображений Хруцкий пишет также групповые портреты. Образцом произведений такого рода может служить «Семейный портрет» (1854) с его суховатой тщательностью в прорисовке деталей и строгой объективностью в передаче сходства изображённых. Семейная группа (мать и трое детей) представлена на фоне паркового пейзажа. В колористическом отношении это хорошо сгармонированная работа, решённая в сдержанных, приглушённых тонах. (Интернет – источник: http://webstarco.narod.ru/ussr/reshet.html)

Сведения о художниках

(Информация для учителя)

И ́горь Эммануи́лович Граба́рь (25 марта 1871(18710325), Будапешт, Австро-Венгрия — 16 мая 1960, Москва, СССР) — русский советский художник, искусствовед, просветитель, музейный деятель. Народный художник СССР (1956). Лауреат Сталинской премии первой степени (1941). Родился в семье Э. И. Грабаря, галицко-русского общественного деятеля, депутата австрийского парламента. Окрещён он был православным священником сербского происхождения, а восприемником стал Константин Кустодиев, дядя художника Б. М. Кустодиева. Дедом Грабаря по материнской линии был Адольф Добрянский, выдающийся деятель галицко-русского движения, а матерью - Ольга Грабарь, также занимавшаяся русской просветительской деятельностью в Галиции. В 1876 году семья переехала в Российскую империю. С 1880 по 1882 жил с семьей в городе Егорьевске Рязанской губернии, учился в местной прогимназии и посещал занятия Житовой Варвары Николаевны сводной сестры Тургенева Ивана Сергеевича, русского писателя и поэта. С 1882 по 1889 Игорь Грабарь учился в Москве в лицее цесаревича Николая (лицей М. Н. Каткова), затем — на юридическом факультете Санкт-Петербургского университета, который окончил в 1893 году. В отличие от старшего брата, Владимира (1865—1956), ставшего известным юристом, Игорь предпочёл карьеру художника и в 1894 году поступил в петербургскую Академию Художеств, где его руководителем некоторое время был Илья Репин. Академию он окончил в 1898 году, а затем учился в Париже и Мюнхене. Участвовал в работе творческих объединений «Мир искусства» и «Союз русских художников». С 1902 года Грабарь принимает участие в выставках «Мира Искусства» в «Салоне» и «Союзе»; его работы выставляются и за границей — в Мюнхене, в Париже, в Salon d’Automne, в 1906 году на выставке русского искусства, устроенной С. П. Дягилевым, в Риме на международной выставке в 1909 году и др. После Октябрьской революции Грабарь также активно занимается живописью, создавая как пейзажи, так и официальные, «придворные» композиции.Помимо создания картин важную роль в жизни художника занимает исследовательская и просветительская работа. Грабарь много писал об искусстве в журналах — в «Мире искусства», «Весах», «Старых годах», «Аполлоне», «Ниве» и др. Его перу принадлежит текст в издании «Картины современных художников в красках», редактором которого он также состоял; он же является редактором и крупнейшим сотрудником предпринятого И. Н. Кнебелем издания «История русского искусства», а также серии монографий «Русские художники». В начале 1913 года московская городская дума избирает Грабаря попечителем Третьяковской галереи. Он оставался на этой должности вплоть до 1925 года. Грабарь был ключевой фигурой художественной жизни советской России. Он дружил с женой Л. Д. Троцкого Натальей Седовой, с которой познакомился во время совместной работы в музейном отделе Наркомпроса. В самом начале сталинских чисток Грабарь ушел со всех своих ответственных постов и возвратился к живописи. Он написал портрет девочки по имени Светлана, который вдруг стал невероятно популярен. Секрет был прост: дочь Сталина тоже звали Светлана, и все решили, что на портрете изображена именно она. Кроме того, Грабарь в 1918—1930 годах руководил Центральными реставрационными мастерскими в Москве, а с 1944 года работал научным руководителем мастерских и возглавил многочисленные комиссии, занимавшиеся изъятием, что чаще было формой спасения от неизбежного уничтожения, картин из усадеб и икон из монастырей. Нынешний Всероссийский художественный научно-реставрационный центр, выросший из созданных И. Э. Грабарём Центральных реставрационных мастерских, носит его имя. Был консультантом Ученого совета по реставрационным работам в Троице-Сергиевой Лавре, научным руководителем и главным архитектором которых был назначен И. В. Трофимов. В начале 1943 года Грабарь выдвинул идею компенсации потерь советских музеев за счет конфискации произведений из музеев Германии и ее союзников. Он возглавил Бюро экспертов, которое составляло списки лучших произведений из музеев Европы, готовил «трофейные бригады», отправлявшиеся на фронт, и принимал эшелоны с произведениями искусства. Действительный член АН СССР (1943). Действительный член Академии художеств СССР (1947). Похоронен в Москве на Новодевичьем кладбище (участок № 8) Награды:Сталинская премия первой степени (1941) — за двухтомную монографию «Репин» (1937), народный художник СССР (1956), два ордена Ленина (19??, 1946),орден Трудового Красного Знамени. (Интернет – источник: www.igor-grabar.ru)

К сения Николаевна Успенская-Кологривова 27 ноября 1922 года родилась Успенская Ксения Николаевна, живописец, член воронежского отделения Союза художников. Родилась в Воронеже.Посещала частные изостудии Н. И. Капер,В. А. Жданова. Закончила Московский институт прикладного и декоративного искусства(факультет керамики, 1949). Живописью занималась под руководством А. А. Дейнеки. После работы в Московском НИИ строительных материалов (1949-1951)возвращается в Воронеж и с 1953 г. становится постоянным участником выставок Воронежской организации Союза художников РСФСР.Художественные занятия К. Успенская на протяжении многих лет совмещала с общественной и научно-педагогической деятельностью. Работала доцентом кафедры сельскохозяйственной архитектуры СХИ, работала в составе разных комиссий Союза художников РСФСР. Имя художницы Ксении Успенской занесено в "Книгу почета" г.Воронежа. Работает в жанрах тематической картины, портрета, пейзажа, натюрморта. Автор произведений: "Портрет профессора Н. А. Успенского" (1952), "Водные процедуры полезны всем" (1953), "Портрет столяра" (1954), "Не взяли на рыбалку" (1955), "Мечтатели" (1963), "Белые лилии" (1964), "Портрет В. П. Криворучко", "Юный художник" (1981), "Разлив на Битюге" (2003) и др. По впечатлениям зарубежных поездок создала серию акварелей, пастелей, гуашей, среди которых: "Дети Мадраса"(1975), "Неприкасаемый" (1975), "Крыши Флоренции" и др. Персональные выставки Успенской прошли в Воронежском областном музее изобразительных искусств (1973, 1983), выставочном зале Союза художников (2000, 2002). Её картины представлены в Воронежском областном художественном музее Крамского, Воронежском областном краеведческом музее, Острогожском историко-художественном музее им.И. Н. Крамского. (Интернет – источник: Kommuna.ru)

Художницу Ксению Успенскую впервые увидела давным-давно, случайно, у старого трамвайного круга в СХИ. Помнится, как из вагона легко вышла красивая, высокая, стройная женщина, с непривычными для нас тогда, в шестидесятых, раскинутыми по плечам, как у французской актрисы Марины Влади, колечками золотисто-русых волос.

Художница Ксения Успенская.

Доцент архитектурного отделения СХИ Ксения Николаевна возвращалась из центра и, видимо, спешила на занятия. Даже не успела зайти к себе домой, хотя старинные профессорские дома, где жила семья Успенских, стоят как раз напротив трамвайной остановки. Её отец – профессор сельскохозяйственного института Николай Алексеевич Успенский – известный учёный, всю жизнь занимался селекцией зерновых культур, трав. Среди его достижений – известнейший и поныне особо устойчивый к нашим степным суховеям и засухам сорт ржи, получивший имя института – «Воронежский СХИ». Обратите внимание – имя института, а не создателя сорта – Успенского, затратившего на эту работу двенадцать лет жизни! А ещё Николай Алексеевич был неукротимым мечтателем: он задумал вывести такой сорт травы суданки, чтобы можно было из неё добывать сахар! И пел хорошо, и отлично рисовал… А его жена-химик, мама Ксении, была к тому же музыкантом. Зачем я так подробно обо всём этом рассказываю? А чтобы можно было представить ауру дома Успенских, в котором формировался независимый характер художницы. И чтобы вполне искренними воспринимались нами сегодня слова молодой художницы Успенской, опубликованные в «Молодом коммунаре» в 1968 году.

В газете были помещены интервью с первыми лауреатами премии воронежского комсомола, носящей имя поэта Василия Кубанёва, – с поэтом Владимиром Гордейчевым, композитором Николаем Тростянским и художницей Ксенией Успенской. С «солнечными людьми», как назвала их газета. На вопрос о творческих планах Ксения ответила: «Молодой наш современник прекрасен и сложен. О нём думаю». В том, что это не дежурные слова молодой художницы, те, кому уже довелось видеть её работы на областных, республиканских выставках, уже убедились. Например, её картина «После первой операции» – задумавшаяся хрупкая девушка в белом халате стоит у окна и снимает с рук хирургические перчатки. Выдержит ли дальше она свою трудную профессию, полюбит ли её? Или «Белые лилии» – романтическая фигурка юной мечтательницы, сидящей на берегу реки с чудесными белыми лилиями. Зрители восприняли аллегоричную направленность художницы видеть в начинающей свою жизнь юности и чистоту помыслов, и устремлённость в будущее. Это – по смыслу изображённого. Но этот смысл был бы казённо-мёртв и трафаретен, если б Успенская не обладала к тому времени мастерским владением пластики цвета, тонким видением и ощущением животворящей силы света и воздуха, переносящих её героев из виртуального» существования на полотне в область наших реальных эмоций и мыслей. Они, конечно, в разное время различны, но у настоящего художника живое остается живым – и вчера, и сегодня, и завтра. Я это ясно ощутила на одной из недавних выставок Ксении Успенской в областном музее имени И.Н.Крамского, устроенной по случаю восьмидесятипятилетнего юбилея художницы. Выставка была ретроспективной, и я с интересом остановилась у одной из пятидесяти четырех работ Успенской, хранящихся в музее. Полотно называется «Скоро весна».

«Скоро весна».

По времени его написания это как раз те, 60-е, годы, когда правящими властями вменялась нашему социалистическому реализму обязанность запечатлевать в своих художественных произведениях, а в изобразительном искусстве – прежде всего, передовиков производства: сталеваров, токарей, трактористов, свекловичниц, доярок. Зачастую отличавшихся от полотна к полотну разве что лицами да числом наград.
Две молодые женщины на картине Успенской, по всему, – те самые доярки, идут ранним зимним деревенским утром на ферму. Струится над дальними хатами дымок, еще не светит по-дневному солнце, но в воздухе уже угадывается набирающее силу весеннее розоватое свечение. Вот мелькнуло легкое пятнышко на ближайшем сугробе, да где-то – на еще заснеженной крыше. Уже снимает варежку одна из товарок, а вот другая – темноволосая молодка – распахнула навстречу долгожданной весне кожушок, под которым виднеется открытое летнее ситцевое платье с голубыми и розовыми цветками. И как будто дохнуло от молодухи телесным женским телом, теплом от ее обнаженной молодой шеи…. Ну какое же мне дело – доярка она или кто? – просто скоро весна!
Достоинством и самодостаточностью проникнут спокойный взгляд профессора Николая Алексеевича Успенского на портрете, написанным дочерью еще в 1953 году. И здесь же – ее собственный автопортрет уже конца 70-х :грустно-испытующие серо-голубые глаза красивого лица, обрамленного золотисто-рыжеватыми кольцами волос, выбивающихся из-под покрытой инеем зимней шапочки; свежий бело-голубоватый иней на большом пушистом воротнике перекликается с синим многослойным фоном портрета.
Говорят, что цвет – это свет Вселенной. Свет многообразия, не сведенного только к двум ипостасям – черному и белому, добру и злу. Этим многообразным светом и цветом полны портреты и пейзажи Кении Успенской, как бы ни гасили их реалии нашей сегодняшней жизни. Сохранить такой свет всегда было первостепенной задачей истинных художников.
И этот Свет возрождается вновь, прежде всего – в детях. «Дети – часть природы и красоты, – говорит Успенская. – А красота в свою очередь – это свойство и человеческой души, и окружающей нас матери-природы». Конечно же, в недавнюю музейную экспозицию вошел один из вариантов чудесного солнечного портрета сынишки художницы. Мальчик сидит в легком плетеном кресле. Эта работа, как и хранящаяся в Третьяковской галерее жанровая картинка «Не взяли на рыбалку» с плачущим трехлетним пацаненком, уже давно знакома многим по многочисленным репродукциям в журналах, альбомах и каталогах. Но все же жаль, что не представилась возможность вновь показать воронежским зрителям и эту, и другие работы Успенской и из Третьяковки, и из частных коллекций и галерей Англии, Германии, Голландии, Франции, США, других стран.
Ксения Николаевна свою творческую жизнь связала с родным Воронежем. Здесь – ее корни, ее земля, ее привязанности. Несмотря на то, что Успенская могла бы в свое время свободно остаться в Москве, где она училась на художественном факультете Московского института прикладного и декоративного искусства, а затем, после блестящего окончания института, какое-то время работала в научно-исследовательском институте художественной керамики в той же столице. Иметь в учителях таких прославленных во всем мире мастеров живописи, как Александр Дейнека, Петр Кончаловский, быть еще в институтские годы благосклонно оцененной Верой Мухиной и академиком живописи Александром Герасимовым, иметь в ближнем московском родстве дядьку – адмирала флота – и не сделать столичную карьеру? А вот, поди ж ты, Воронеж пересилил все… Здесь вырос сын Успенской – Александр Кологривов (близкие по первому браку Успенской – Кологривовы – прямая родня Александра Сергеевича Пушкина. Его дочь Александра была замужем за тамбовским губернатором Кологривовым). Здесь, в Воронеже, родились и выросли внуки Ксении Николаевны – Игорь и Натали.
…У меня дома на стене висят две, особенно дорогих, мне работы Ксении Николаевны и Василия Павловича Криворучко, с которым, как она признается, прожила в счастливом браке четверть века. Сорок лет назад, когда я оказалась соседкой Успенских по СХИ – они жили с одной стороны парка, а я с другой, – мне неоднократно приходилось бывать в их доме. И что греха таить, я искренне радовалась успешному семейному, творческому тандему двух прекрасных художников. Это было внутреннее единение мастеров, каждый из которых, помогая друг другу, шел все же по своему пути. У Успенской в основном – портрет, пейзаж, натюрморт. А у Криворучко – Валаам, старые церкви Пскова, Новгорода, Москвы, коллекция древнерусских летописей, колоколов (которые он, кстати, подарил городу), работы, представленные в панораме Куликова поля. Были у них и совместные выставки, одна из них – после поездки по Индии. После открытия нынешней выставки она сидела чуть уставшая от поздравлений и телекамер. То и дело подходили почитатели – за автографом. А мне хотелось невозможного: чтобы рядом с ней был сегодня Василий Павлович Криворучко.

• Дора Гординаule

О лег Владимирович Попович, (1961 г.) известный детский художник-оформитель, автор многих серий, книг и учебников, выходящих в разных издательствах. В детской литературе с 1980 года. В детстве самым большим подарком для меня была белая бумага. Я очень бережно к ней относился, складывал в папку и рисовал так, чтобы не испортить сразу весь лист - сначала с краев и только потом перебирался к середине листа. Поскольку отец был военным хирургом, мы переехали в Ленинград, и там я поступил в среднюю художественную школу. Позже, с возрастом, я ощутил огромное различие между столичной и питерской школами рисования. Если в Ленинграде преобладал четкий рисунок, "холодные" цвета, то в Москве был традиционно живописный подход. Когда отца перевели служить в Москву, я перевелся в Московскую среднюю художественную школу. Поначалу было трудно, преподавателям не нравилось то, что у меня получалось, они хотели чего-то броского, яркого. И я попытался соединить эти два разных подхода к рисованию в своем творчестве. Затем был Полиграфический институт. После пяти лет учебы я понял, какие богатые традиции заложены в основе этого учебного заведения. У истоков этого института стояли очень серьезные, замечательные художники - Фаворский, Павлинов, Бисти. Институт дал понимание того, что значит быть истинным художником. Я довольно рано начал работать в полиграфии: со второго курса института подрабатывал в издательстве "Знание". Начинал с простых вещей и очень долго не решался браться за иллюстрации. Глядя на работы прославленных мастеров и на их высокий уровень, свои собственные рисунки и иллюстрации мне казались неуверенным детским лепетом.
После окончания института я пошел работать художественным редактором в одно из лучших детских издательств - "Малыш", где в те времена была сильная иллюстративная школа. Проработав там 5 лет, я по-настоящему понял, что такое детская иллюстрация. В тот период в издательстве работали замечательные художники - Май Митурич, Чижиков, Перцев, Лемкуль... В такое издательство пробиться было непросто, существовал жесткий отбор, человека "обкатывали" на детских журналах - "Мурзилка", "Веселые картинки" и только потом доверяли более серьезные вещи. Причем начинали не с книг, а с буклетов, кубиков. Моей первой работой был буклет "А. Блок. "Ветхая избушка", который я очень долго делал, перерисовывал заново, и в итоге получилось 10-15 вариантов. Прошло несколько лет, началась перестройка, и я увидел, как прекращали существование издательства с богатыми традициями. Такая участь не миновала и "Малыш". И я перешел в "Просвещение".
Для меня существовало несколько авторитетных издательств, таких, как "Малыш", "Художественная литература", "Советская Россия", "Детская литература", которые были общепризнаны среди художников-профессионалов. А после того как начал заниматься учебной книгой, я понял, как это интересно. Учебники требуют сочетания всех возможностей художника, дизайнера, напряжения, концентрации всех сил. Иллюстрация - одно из самых выразительных средств книги. Художник - активный толкователь литературного произведения: он может спорить с автором, предлагать свой, совсем неожиданный вариант прочтения, но он обязан иллюстрировать идеи произведения, переводить их на пластический язык изобразительного искусства. Только в этом случае иллюстрация имеет смысл. А ее духовная ценность огромна. Ведь когда делаешь иллюстрации, трудишься не ради собственного удовольствия. Я знаю, что это нужно людям. Особенно у нас в стране, где интерес к литературе очень серьезен и традиционен. Как мне кажется, иллюстрации заменяют детям, да и, пожалуй, всем читателям, машину времени. Они помогают воспарить над бытом и окунуться в мир индейцев, лилипутов, мушкетеров, пиратов. Картинки в книге, как поезда, увозят в разные стороны, знакомят с замечательными людьми, переносят в другие миры. В последнее время я пользуюсь им постоянно, сначала рисую, а потом обрабатываю рисунок на компьютере. В итоге добиваюсь некоего синтеза возможностей человека и машины. Конечно же, работая в "Просвещении", я никогда не оставлял работы свободного художника. Я считаю, что это огромный плюс, когда помимо работы художественным редактором человек еще и сам рисует. Из-за этого гораздо быстрее начинает двигаться вся работа. В свое время пришлось много заниматься рекламой. Она шла семимильными шагами по всей стране, где-то быстрее развивалась, где-то медленнее. И в таком победном шествии рекламы стало видно, что наши российские художники и дизайнеры ничуть не уступают зарубежным коллегам, даже более талантливы и перспективны. А в последнее время для работы над оформлением учебных макетов я стал привлекать рекламных дизайнеров, что позволило усложнить макетирование учебника и способствовало появлению свежих идей в издании учебной литературы. Вероятно, так распорядилась судьба, но я все время тяготел больше к оформлению книги, чем просто к станковой графике. Хотя, конечно, иногда получается рисовать для себя, но, к сожалению, урывками - нет времени. Сложно сказать почему, но с детства мне нравились прекрасные добрые детские картинки. Наверное, из-за них я и пошел в "Малыш". В "Просвещении" я рисую больше на научно-популярные темы для детей. Мне нравится разыгрывать в цвете какие-то занимательные ситуации, появляется огромное поле для фантазии, выдумки. Часто именно художник задает направление работы всему коллективу, который работает над той или иной книгой, потому что у него больше развиты художественное воображение, образность. Иллюстрации к детской и к взрослой книге - принципиально разные вещи. Для детей это более многообразный мир, который приходится доносить до маленького человечка. Ведь ребенку гораздо проще представить физический или химический процесс, когда он просто смешно нарисован, то есть мир ребенка - совершенно особый. Конечно, если автор удачно подал материал, художник выполнил свою работу на сто процентов, то книга удалась и ее будут покупать. С другой стороны, область детской литературы не до конца объективна. Литературу детям приобретают родители, основываясь на собственном вкусе, поэтому, может быть, ребенку и нравятся картинки, но родитель книжку не купит, потому что ему не нравится автор. И такие парадоксы бывают очень часто. Мир настолько разнообразен и многогранен, что одну и ту же мысль можно выразить тысячами способов. Хотя когда я на выставках или у друзей вижу хорошую идею, то могу ее подхватить и воплотить, но по-своему, пропустив ее через себя. И все хорошее просто необходимо брать себе на вооружение. Сам я тоже попадаю под чье-то влияние, но это необходимо перебороть, если хочешь достичь результата, выработать свой стиль рисования. Профессия есть профессия. Бывает, что я сажусь работать без особого энтузиазма. Но книга - это не живопись. Я рисую не для себя, а выполняю заказ, хочу я того или не хочу. Конечно, бывают и подъемы, когда вся книга оформляется за раз, бывает работа идет трудно. Есть, правда, и преимущества: ежедневная работа - это привычка, рисовать становится проще. Самая страшная вещь для художника - план. Не успеваешь постоянно, хочется что-то переделать, исправить, а надо сдавать, и в итоге сам собой бываешь недоволен. Да, особенно когда она была маленькая, я очень многие иллюстрации "обкатывал" на ней. Если она говорила "да" - я безоговорочно это оставлял, если же возникали какие-то сомнения - я перерисовывал заново. Сейчас ее больше интересуют дизайнерские, оформительские вещи, ведь зачастую она сама же учится по учебникам, которые видела у меня на рабочем столе. Действительно, это очень важная тема. Когда в нашей стране произошли определенные события, на нас хлынул поток той культуры, в том числе и в области рисования. Наша страна достаточно богата талантами, чтобы пользоваться уже готовыми продуктами, поставляемыми с Запада. Что касается книги, то не лучшие западные образцы оказались на нашем книжном рынке, что нанесло колоссальный урон российской художественной оформительской школе. Зачем рисовать наших народных героев и персонажей под диснеевские мультики? Они, конечно, имеют право на существование, но нельзя стараться рисовать русского Петрушку под Бэтмена или ковбоя. Это же абсурд! А у детей развивается лишь дурной вкус и больше ничего. И только сейчас наша книжная культура постепенно возвращается на свои позиции. Огромный плюс то, что сейчас выпускники Полиграфического института идут не в рекламу, а в книгу. Именно за ними наше будущее. Много, долго, нудно работать над своим стилем, манерой рисунка и т.д. Помимо желания, нужно много упорства и труда. Хотя здесь все индивидуально, и, может быть, можно этого достичь по-другому, но я стал художником именно так. ( Интернет – источник: www.ug.ru›old/01.06/po9.htm).

К ончаловский Петр Петрович (1876-1956) В русской живописи XX в. место П. П. Кончаловского - одно из центральных. Он был создан для живописи, ощущал мир живописно - как пиршество красок - и едва ли не олицетворял собой само это искусство. Учился он в Харьковской рисовальной школе, затем на вечерних курсах СХПУ, в академии Р. Жюлиана в Париже (1897-98), наконец, в Высшем художественном училище при Петербургской Академии Художеств (1898-1905). Но свой художественный мир открыл лишь в новом веке, в пору бурной ломки художественных традиций. Общество художников с озорным названием "Бубновый валет" объединило в 1910 г. молодых новаторов, не удовлетворенных пассивным, чисто зрительным отображением мира на холсте. Вытеснить это иллюзорное, недостаточно, по их ощущению, материальное восприятие другим - пластически объемным, весомым, осязательно конкретным и энергичным - они стремились, осваивая, с одной стороны, творческое наследие П. Сезанна (и отчасти В. Ван Гога), а с другой - обращаясь к искусству непрофессиональному. Их привлекла грубоватая, не ведающая школьных правил перспективы, композиционного равновесия и колористической гармонии, но зато решительная и лаконичная живопись провинциальных вывесочников и яркие росписи трактирных подносов. Укрупнить, огрубить, но сделать каждую вещь плотной и крепкой - вот задача молодого Кончаловского в его многочисленных натюрмортах, где неслучайно фигурирует часто тот же рыночный поднос как своего рода камертон, задающий живописи необходимый уровень колористического напряжения ("Красный поднос", 1913). Цвет здесь передает не столько поверхностную раскраску, сколько саму форму и массу, материальную плоть вещей. В натюрморте "Сухие краски" (1912) тяжелые цветные порошки в прозрачных банках делают это качество цвета особенно наглядным. И человека молодой Кончаловский видел почти по-вывесочному огрубленно, цельно и мощно: "Портрет художника Г. Б. Якулова" (1910), "Семейный портрет" (1912), "Портрет матадора" (1913). Впрочем, со временем влияние примитива слабеет, уступая свободной энергии письма, подвижности кисти. В "Портрете скрипача Ромашкова" (1918) решается чисто живописными средствами задача выражения в неподвижном изображении сложного, нервного движения, самого ритма музыки, которую играет скрипач. В работах 1920-х гг. исчезает "бубновова-летский" схематизм формы и цвета, живопись Кончаловского, оставаясь полнозвучной и яркой, обретает колористическую тонкость, сложное богатство переходов и внутренних контрастов холодного и жаркого цвета. В ней празднично сияет обнаженное тело, белеют древние стены новгородских соборов, мерцающая позолота фигурной сахарницы оттеняется глубокой зеленью темного стекла ("Зеленая рюмка", 1933). Тихая домашняя сцена в автопортрете с семьей ("Миша, пойди за пивом", 1926) разворачивается в двухметровый холст, сверкающий декоративным богатством узорных тканей. Кончаловский пишет полные жизненной энергии портреты композитора С. С. Прокофьева (1934), писателя А. Н. Толстого, за обильно уставленным лоснящейся снедью столом (1940-41), искусствоведа С. Тройницкого (1943). Лишь в громадном портрете В. Э. Мейерхольда (1938), необычайно нарядном, потому что режиссер написан на узорном фоне среднеазиатской вышивки, резким диссонансом звучит драматическая нота - страдальческое лицо человека, загнанного в тупик, ждущего гибели. Свой могучий живописный темперамент, радостное приятие жизни Кончаловский донес, сквозь все сложности жизни, до последних своих холстов. (Интернет – источник:http://www.artsait.ru)

Р ешетников Федор Павлович (1906 г. - 1988 г.) - советский художник, один из самых заметных представителей социалистического реализма. Народный художник СССР (1974 г.), действительный член АХ СССР (1953 г., с 1974 г. вице-президент). Появился на свет 15 (28) июля 1906 года в Украинском селе Сурско-Литовское в семье иконописца. После достижения трехлетнего возраста остался сиротой и воспитывался в семье старшего брата Василия, который ради семьи был вынужден оставить Киевское художественное училище. Во второй половине 20 - х годов Решетников поступил на художественный факультет рабфака в Москве. Затем, с 1929 по 1934 гг., обучался в Высшем художественно-техническом институте (ВХУТЕИН) - в мастерских Д. С. Моора и С. В. Герасимова. В студенческие годы серьезное влияние на творчество Решетникова оказали Кукрыниксы. Уже в это время художник прославился как мастер графического шаржа. Виртуозное владение графическими приемами помогло Федору Павловичу стать - в качестве художника-репортера - участником знаменитых полярных экспедиций на ледоколах "Сибиряков" (1932 г.) и "Челюскин" (1933-1934 гг.). Художественные репортажи этих событий имели значительный успех. В творчестве Решетникова ярко проявился его сатирический дар. Федор Павлович был выдающимся карикатуристом. Создал целый ряд запоминающихся скульптурных шаржей (часть работ находится в Третьяковской галерее). В области станковой живописи он известен как автор произведений академического бытового жанра. В этом направлении прослеживается определенная связь творений Решетникова с работами художников передвижников. К сожалению, совершенно неизвестными широкой публике остаются картины мастера в так называемом "пленэрном" пейзаже. Это наследие в 90 - е годы прошлого века оказалось за рубежами России и осело в частных коллекциях. Художник занимался педагогической деятельностью. Он преподавал в Московском государственном художественном институте им. В. И. Сурикова (1953-1957 гг.) и Московском педагогическом институте им. В. И. Ленина (1956-1962 гг.). За свою творческую деятельность Федор Павлович был удостоен звания лауреата в 1949 году Сталинской премии второй степени ( картины "Генералиссимус Советского Союза И. В. Сталин" и "Прибыл на каникулы"), в 1951 году Сталинской премии третьей степени (картина "За мир!"). В своем многообразном творчестве Решетников создал образцовые произведения социалистического реализма. Художник являлся активным пропагандистом этой системы, вел жесткую борьбу с другими художественными направлениями. Умер Решетников Ф. П. 13 декабря 1988 года. Его могила находится на Ваганьковском кладбище в Москве. (Интернет – источник: http://webstarco.narod.ru/ussr/reshet.html)

П именов Юрий Иванович (1903–1977), русский художник, один из наиболее самобытных мастеров круга «Общества станковистов» (ОСТ). Родился в Москве 13 (26) ноября 1903 в семье юриста. Учился во Вхутемасе (Высшие художественно-технические мастерские, 1920–1925) у С.В.Малютина, В.А.Фаворского и В.Д.Фалилеева. Был одним из членов учредителей ОСТа (1925). Жил в Москве.
В ранний период испытал большое влияние немецкого экспрессионизма, что во многом объясняет надрывно-драматическую остроту лучших его вещей этих лет (Инвалиды войны, 1926, Русский музей; Даешь тяжелую индустрию!, 1927; Солдаты переходят на сторону революции, 1932; обе – в Третьяковской галерее). С годами перешел к обновленному импрессионизму, исповедуя творческий принцип «прекрасного мгновения», легкого и артистичного образа-впечатления. То, что у иного его коллеги могло стать помпезным Выездом жены наркома, у Пименова превратилось в Новую Москву (1937, там же) – с прекрасной незнакомкой, ведущей свой открытый автомобиль по центру столицы. Замечательно удавались красочно-феерические театральные мотивы (Актриса, 1935, там же), поэтому закономерно, что Пименов стал одним из значительных русских сценографов середины 20 в.: он работал для Малого (Волки и овцы А.Н.Островского, 1941), Ленкома (Сирано де Бержерак Э.Ростана, 1943) и других театров. Черты «Пименова-экспрессиониста» вновь, хотя и в значительно смягченной форме, проступили в его тревожных полотнах военных лет (Следы шин, 1944; там же; и др.). За свои театральные работы был удостоен Сталинских премий 1947 и 1950. К наиболее известным послевоенным живописным циклам художника принадлежат натюрморты Вещи каждого дня (1959) и в особенности Новые кварталы (1963–1967; Ленинская премия 1967) – мажорно-лирические и в то же время не лишенные тонкой сценической условности картины-новеллы, ярко отразившие настроения политической «оттепели». Издал ряд живых очерковых книг, которые, впрочем, кажутся наивно-прекраснодушными в сравнении с его картинами (Искусство жизни или «Искусство ничего»,1960; Необыкновенность обыкновенного, 1964; Новые кварталы, 1968; и др.).
Умер Пименов в Москве 6 сентября 1977. (Интернет – ресурс: http://maslovka.org)